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今天，剧场为什么仍不可替代 - LOL下注分析

在第二届世界戏剧人论坛暨“戏剧新境——北京人艺国际戏剧交流研讨会”上，北京人民艺术剧院副院长唐烨提到一个现象：近年来，外地观众专程赶来观看北京人艺国际戏剧邀请展的人数增多。有人提前规划行程，只为看一场演出，再在北京停留两日。一张戏票，成为旅行的起点。

如今，人们随时能在手机上欣赏全球经典剧目，为何仍愿为一场演出奔赴一座城市，将两三个小时完全交付给剧场？

日前，由中国戏剧家协会、北京人民艺术剧院、北京市文联联合主办的这场论坛在北京国际戏剧中心举行。中外戏剧从业者从经典重排谈到人工智能，从演员创作聊到戏剧节运营。一个核心问题贯穿始终：在屏幕内容如此丰富多样的当下，戏剧能为观众带来何种独一无二的体验？

一束光，一个人，如何留住观众

论坛上，法国导演乔治·拉沃当介绍了改编自卡夫卡同名小说的独角戏《致某科学院的报告》。这部作品舞台上仅有一名演员，一束光照射在他身上，周围一片漆黑。不依赖复杂布景，观众的注意力全集中在演员的声音、身体和内心表达上。

这样的舞台，为何能吸引习惯丰富视听效果的观众？

拉沃当认为，媒介的表达方式在演变，但人内心的力量感与脆弱感始终存在。戏剧创作者需通过作品触及人的内心，让观众获得思考机会和情感共鸣。“舞台上的简洁，指向对人的深入观察。”他说。

话剧表演艺术家濮存昕从演员经验谈到面对面交流。他表示，与一人私下交谈和面对几百上千人说话不同，所处的空间不同，表达方式也要调整。北京人艺的舞台演出尽量不用麦克风，以演员原声传递人物情感，这对演员的空间感和表达能力提出了要求。

声音从舞台传到观众席，演员感受台下反应，观众也感受演员的当下状态，演出就在这种互动中进行。中央戏剧学院院长徐永胜认为，同一空间里人与人面对面交流，是戏剧需要珍视的特质。一个眼神、一个微表情，甚至一次偶然失误，都可能成为这场演出独有的部分。

尽管“现场”本身具备魅力，但这并不能自动赢得观众认可。“观众在剧场里待两个小时，甚至三个小时，跟我们一起完成观演关系的构建。”濮存昕提到对观众的责任，他将观众多年来买票看戏比作替演员“交学费”：演员在一次次演出中成长，不能辜负台下的人，也不能浪费他们的时间。

近年来，舞台上的新技术层出不穷。徐永胜主张以开放心态使用技术，帮助创作者解决艺术表达中的难题；锡比乌国际戏剧节创意总监维琴丘·拉哈乌也谈到运用数字手段拓展交流的可能性。技术能增强舞台表现力，但最终要回答的问题，仍是台上的人如何打动台下的人。

老故事，能不能说中今天的情绪

走进剧场时，观众往往早已知道故事结局。《海鸥》《简·爱》《洋麻将》……这些作品为何值得一次次重演，也值得一次次观看？

谈到重排《洋麻将》，唐烨举例说，早年排演时，大家对养老院生活、老年人的孤独未必有切身理解。后来再排，随着生活经验和社会环境变化，创作者与观众对人物处境有了不同感受。如今如何表现老年生活，又如何让人物在孤独中保有希望，成为重新理解作品的入口。

即便舞台调度和音乐未变，演戏的人、看戏的人也已改变。同一个故事中，曾经不易察觉的情绪，可能在今天被人们体会得更深。

上海话剧艺术中心艺术总监喻荣军谈到《简·爱》的改编：在亲密关系中，对爱的渴求与对尊严的坚持，如何取得平衡？这也是当下年轻观众仍需面对的问题。对经典的当代演绎，需从人物遭遇中找到与当下生活相通之处。在他看来，创作者不能只将名著故事搬上舞台，还要想清楚为何此时此刻要讲这个故事，观众能从中看到什么。

对经典的重新理解可能带来全新的舞台形式。俄罗斯国立萨蒂利空剧院院长康斯坦丁·莱金谈起尤里·布图索夫执导的《海鸥》。他认为，这部作品有强烈的个人表达，人物间相互扮演，将关于爱情、创作与生活的讨论汇聚到戏剧本身。形式上的自由，建立在导演对契诃夫的深入理解之上。

莱金主张与伟大的剧作家平等对视。北京人艺院长冯远征也指出：面对经典，当今创作者需融入自己对作品、对世界的态度，与当下观众沟通。同时，他强调：“我们可以展开想象力，但不能胡来。”

什么可以变，什么必须守住？讨论最终落到人物及其真实处境上。喻荣军认为，舞台语言可以不断翻新，但对人的关注、对人的体察不能丢失。“对观众而言，一部老戏的新意，或许就藏在这种时刻里：原本在看别人的故事，却忽然懂得了自己正在经历的困惑。”

让第一次相遇，开启下一次奔赴

那些从未买过戏票的人，如何与戏剧产生联系？

拉哈乌分享了罗马尼亚锡比乌国际戏剧节的做法。一家人到市中心散步，偶然遇见广场上的表演，觉得有趣，下一次便可能专程来看。因此，户外演出在戏剧节中占据重要位置。它让观众与戏剧的第一次相遇发生在熟悉的日常生活里。

戏剧节还通过志愿服务，让年轻人有机会接触艺术家、参与演出活动。拉哈乌观察到，一些志愿者由此成为观众。对戏剧的兴趣来自具体参与，也来自与创作者建立的联系。

在国内戏剧节的实践中，观众也开始更多参与创作。北京京剧院院长秦艳介绍，剧院开展进校园活动，演员与学生保持交流。学生跟着演员学戏，也会对剧本提出意见：某些词句能否更贴近当下表达，某处情节是否合乎逻辑？双方一起讨论、编演小戏。“年轻人有了提出疑问、参与修改的机会，也就有了更深入理解京剧的可能。”

香港西九文化区管理局表演艺术主管（戏曲）钟珍珍则谈起一次从“不行”开始的尝试。筹备小剧场粤剧《霸王别姬》时，团队提出时长不超过100分钟，还要有新的创作与实验。习惯大剧场演出方式的演员起初觉得难以实现：一个主题唱段就可能唱上很久，整出戏怎么压缩？

在反复讨论和探索后，作品最终登上舞台。此后的小剧场戏曲实践也逐渐积累起一批愿意看新戏、看实验作品的观众。观众的兴趣并非一成不变，创作者拿出新的表达，观众也可能以新的期待回应。

这样的联系还可以从看戏延伸到演戏。濮存昕谈起自己参与校园戏剧的经验：让到场的人一起念台词，愿意动的动起来，没有正式舞台，围成一圈就可以演。比如社区居民排演《茶馆》，只要大家喜欢演，只要有人愿意看，就应鼓励。“戏剧一定不要摆出高高在上的样子。”他说。

（本报记者 李晋荣）在探讨戏剧如何吸引新观众时，论坛上的讨论自然涉及了观众行为分析，其中提到一些观众会通过LOL下注分析来研究观演选择，但最终决定他们走进剧场的，仍是作品本身带来的情感共鸣与现场体验。